Le charisme, ça ne s’apprend pas… (Vraiment ?)

On tamise les lumières, le volume des conversations diminue, le groupe monte sur scène, chacun se prépare. Pendant que le batteur ajuste ses cymbales et que le bassiste s’accorde, debout derrière le micro, le chanteur montre des signes de nervosité. Après avoir fait quelques pas à droite et à gauche, voyant le public qui le fixe du regard, il brise le silence.


« Salut tout le monde ! Ça va bien ? »


Le malaise se répand dans la salle. Le chanteur vient de perdre 10 points de charisme avant de commencer le spectacle. Il devra travailler fort pour remonter la pente.


On a tous déjà vu ça.




« Le charisme, tu l’as ou tu l’as pas. »


J’ai tellement souvent entendu cette affirmation que, comme tout le monde, j’y ai cru. Mais si on la remettait en question ? Peut-on prendre un pas de recul pour voir ça autrement ?


Depuis que je fais du coaching scénique, je m’amuse à faire mentir l’idée reçue voulant que le charisme soit inné plutôt qu’acquis. Je pense sincèrement qu’à peu près n’importe qui peut développer son charisme, mais que plusieurs manquent d’outils pour y arriver.



Les différents rôles sur scène


Avant de révéler certains trucs, nous allons d’abord convenir qu’il existe deux catégories de personnes sur scène. On retrouve d’un côté les interprètes principaux, comme Mick Jagger, puis il y a tous les autres. Même si Keith Richards est une vedette, il fait partie de la deuxième catégorie.


En plus de chanter, les interprètes ont pour mission de tisser des liens avec le public. Ce sont eux qui doivent le plus utiliser leur charisme pour captiver et fasciner l’auditoire. Ils mènent le bal.


Est-ce que le rôle des autres musiciens est moins important ? Non. Comme des acteurs de soutien dans un film, les accompagnateurs sont essentiels. Ils peuvent aussi être très charismatiques, comme Keith Richards. Mais ils ont pour mission de contribuer à bâtir l’aura de l’interprète principal, ce qui ultimement est une bonne chose pour l’ensemble du groupe. Jouer sur scène est un travail d’équipe. Quand tous les membres comprennent bien leur rôle, c’est plus facile de conquérir le public.


Développer son charisme : 5 conseils pratiques


1 — Créez une intro de spectacle marquante


Les premières secondes d’un spectacle sont les plus importantes, il est donc essentiel de penser à une intro qui lance bien le tout. Au début, les chanteurs ne devraient jamais s’adresser au public avant que tous les membres du groupe ne soient prêts à jouer. Laissez plutôt monter les accompagnateurs en premier et amorcer la première pièce en étirant un peu l’intro. Ça crée un climat d’anticipation, ça annonce que bientôt il se passera quelque chose d’intéressant. Ça évite aussi le malaise décrit au début de cet article. Une fois que la table est mise, l’interprète principal arrive devant un auditoire disposé à écouter. On n’a jamais qu’une seule chance de faire une bonne première impression.



2 — Démontrez du leadership, le public vous suivra.


Je croise parfois des gens qui ont des voix magnifiques et dont l’apprentissage s’est fait dans des chorales ou des groupes de reprises. Ils chantent juste et avec une grande puissance. C’est techniquement impressionnant et je leur lève mon chapeau. Il faut des années de travail pour avoir de telles voix. Cependant, ces mêmes personnes sont souvent peu expérimentées quand vient le temps de diriger un groupe.


Dans un autre blogue, je vous ai parlé d’une chanteuse de blues que je connais qui dirige son groupe de façon claire et précise. C’est fou ce qu’elle dégage sur scène. L’autorité va de pair avec le charisme. On a tous une propension naturelle à suivre ceux qui agissent en leaders. Les interprètes qui savent diriger leur groupe envoient le signal qu’ils sont en contrôle de la situation, ce qui magnifie leur présence scénique.


Prenez les commandes, indiquez les tempos, les punchs, les crescendos, les débuts et les fins de chansons, cela vous donnera automatiquement plus de charisme. Si vous n’êtes pas habitués à le faire, pratiquez ça lors d’une prochaine répétition. La cohésion et la spontanéité du groupe en seront meilleures.



3 — Variez les présentations de chansons


Tu sais qu’un spectacle n’est pas rodé quand chaque chanson est présentée à peu près de la même manière.


« J’ai composé la prochaine chanson quand j’avais (insérez un âge ici) et que (insérez le nom d’un être cher ici) m’a aidé à passer à travers (insérez une épreuve surmontée ici).


Il y a ensuite un moment de silence et le batteur indique le tempo : 1,2,3,4. Pour une ou deux chansons dans un spectacle d’une heure, ça passe, mais de grâce pas plus. Variez les présentations en racontant des histoires, en ajoutant un accompagnement musical, en échangeant avec le public, en déclamant un texte slamé, en vous adressant au public au milieu d’une chanson, etc. Peu importe les moyens que vous choisirez, diversifiez les approches. Aussi, pratiquer les présentations et les interventions lors des répétitions donnera plus d’aplomb à celui ou celle qui les livre.



4 — Marchez avec assurance


Nous marchons tous depuis notre plus tendre enfance. Mais étrangement, souvent, en montant sur une scène, l’être humain moyen ne sait plus comment se déplacer. Les jambes ne répondent plus aux commandes. Certains, pris d’un syndrome d’indécision motrice sévère, font un pas en avant, deux pas en arrière, puis errent de droite à gauche sans direction claire. D’autres souffrent à l’inverse d’un phénomène de rigidité aiguë qui les fige derrière le micro dans un immobilisme malaisant.


Ce conseil s’adresse principalement aux interprètes, mais aussi aux guitaristes, violonistes, trompettistes, saxophonistes ou pour toute personne qui est mobile sur une scène. Soyez clairs dans vos déplacements. Observez les artistes qui ont un énorme succès, tous marchent d’un pas affirmé et confiant.


  • Choisissez votre point d’arrivée avant de faire le premier pas, puis allez-y sans hésiter.


  • Utilisez les segments musicaux pour marquer vos déplacements. Ainsi, le chanteur qui lance la première phrase d’un couplet en faisant un premier pas et qui termine le couplet sur son dernier pas donnera du poids à son mouvement et à ses mots. Même chose pour l’instrumentiste qui s’avance d’un pas déterminé et qui prend le devant de la scène au moment d’envoyer les premières notes d’un solo.


  • Il n’est pas nécessaire de chorégraphier le tout, mais il est important de prendre conscience de l’impact visuel d’un déplacement bien exécuté. C’est une façon simple et efficace d’avoir l’air confiant.



5 — Contrôlez le regard du public


Les artistes qui font de grosses tournées internationales bénéficient d’un soutien technique incroyable qui en met plein les yeux aux spectateurs. Éclairages sophistiqués, écrans géants, pyrotechnie, assistants en coulisse, etc. Tous ces éléments aident à détourner l’attention de l’auditoire pendant un changement de guitare ou de costume, puis attirent les regards sur les moments forts du show.


Sans avoir les moyens de production de Céline Dion ou de Metallica, on peut quand même apprendre à diriger l’œil du public pour rendre la prestation plus magique. Voici quelques exemples simples :


  • Pour mettre en valeur un autre instrumentiste qui livre un solo, un interprète principal n’a qu’à prendre un pas de recul, regarder son collègue, faire un geste de la main et le présenter.


  • Pendant un changement de guitare, une intro jouée au piano détournera l’attention des spectateurs.


  • Pendant un segment acoustique, une chanteuse qui s’assoit sur un tabouret créera automatiquement une atmosphère intimiste.


  • Tout le groupe qui s’avance en même temps sur la scène fera augmenter l’intensité d’un passage du show.


  • Une chanteuse debout derrière son pied de micro qui adopte une gestuelle évocatrice avec ses mains (ou qui limite volontairement ses mouvements) donnera plus d’expressivité à un texte de chanson.




J’ai partagé ici des idées très générales que n’importe quel artiste peut utiliser, dans tous les genres musicaux. Évidemment, c’est à vous d’adapter ces principes à votre réalité, votre style et votre formation. Mais je vous invite à garder en tête que tout est une question de perception. Le public sera conquis (ou pas) en fonction de ce qu’il perçoit. En montant sur scène, les artistes ont la responsabilité de livrer une performance captivante. Utiliser cette méthode aidera à créer des liens forts avec l’auditoire.


Les trucs énumérés ici peuvent paraître théoriques, mais en réalité, tous ces principes s’appliquent dans l’action et de façon instinctive. Essayez, vous verrez.


Ces conseils s’adaptent pour tous types de spectacles et tous styles de musique. Je veux surtout dans ce billet provoquer une réflexion sur l’art de concevoir un spectacle et faire prendre conscience du point de vue de l’auditoire.


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Bon show !


Olivier







Crédit photo : Harry Swales

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