Le groupe arrive au local de répétition, installe le matériel, place les micros, ajuste la batterie, branche les guitares. Tous forment un cercle pour bien se voir. Test de son. Ça commence. Le batteur donne le rythme de chaque chanson : 1,2,3,4. Le bassiste regarde les doigts du guitariste quand il n’est pas certain des changements d’accords, la chanteuse regarde la claviériste. On se fait des petits signes de tête, couplet, refrain, bridge. Ça sonne vraiment bien. Dernière heure de répétition, on fait un enchaînement du spectacle. Demain, le groupe se produira sur scène dans le cadre d’un nouveau festival local.
C’est dommage, leur prestation sera tout au plus correcte. La musique sera bien jouée, mais ça ne sera ni spectaculaire ni mémorable. Pourquoi ? Parce que répéter en cercle est une très mauvaise habitude. Bonne nouvelle, ça se corrige facilement.
Répéter en cercle quand on compose un album ou qu’on explore du répertoire, c’est normal. Mais une fois que l’on connaît les chansons par cœur, cette habitude empêche de bien préparer un spectacle.
Voici 4 raisons pour lesquelles il vaut mieux répéter selon une vraie disposition scénique:
1 -Pour se filmer
En se filmant, on a une idée de ce qu’on est en train de préparer. Faites le test. Rédigez une liste de chansons, fixez une caméra sur un trépied, mettez-vous en formation et enchaînez le spectacle. Même si la qualité du son n’est pas top, écoutez et surtout regardez-vous. Est-ce que vous aimez ce que vous voyez ? Si la réponse est non, il y a de fortes chances que le public n’apprécie pas non plus. Il vaut mieux s’en rendre compte soi-même.
Ce petit test fera apparaître tous les défauts. Manque de fluidité dans les enchaînements des chansons, temps morts, changement de guitare qui s’éternise, absence d’interventions au public (ou interventions maladroites), malaise de la chanteuse qui ne sait pas quoi faire pendant le solo de piano, grimaces du batteur, pied de micro abandonné trop longtemps au milieu de la scène, guitariste qui fixe attentivement ses pédales, bassiste qui a une attitude métal dans un groupe folk, etc.
Une fois passé le choc de s’être vus, on peut maintenant apporter des correctifs.
2 - Pour mieux communiquer entre musiciens
Quand on répète en cercle, on communique une foule d’informations par de simples échanges de regards. C’est particulièrement vrai pour les groupes qui laissent une part d’improvisation dans leurs prestations. C’est souvent le cas dans le blues, le jazz, le rock, la pop, etc. Maintenant, quand on joue face à un public, on a plus autant de contact visuel avec nos partenaires. Il faut donc trouver d’autres façons de communiquer.
J’ai joué quelques fois avec une des meilleures chanteuses de blues de Montréal. Elle est une vraie chef d’orchestre qui peut t’indiquer des tempos, des tonalités, des structures de chansons, des punchs, des débuts, des fins, des tags, des reprises, des codas, bref elle te fait en direct des partitions complètes avec ses mains, ses bras, ses jambes, son corps. Elle captive le public tout en envoyant ses commandes derrière son dos. C’est très efficace. On n’est pas tous obligés de se rendre à ce niveau-là, mais il est très utile lors des répétitions de développer ce genre de communication.
Nous reviendrons là-dessus dans un autre billet de blogue, mais les chanteurs et chanteuses qui savent bien diriger un groupe semblent plus confiants et ont une plus grande présence scénique. L’autorité et le charisme vont de pair.
3 - Pour tisser des liens avec le public
Tout artiste qui monte sur scène devrait souhaiter captiver le public.
Au début, il est très déstabilisant de chanter face à un mur. Mais il vaut mieux être déstabilisé en local de répétition qu’en spectacle. Répéter en formation forcera tout le groupe à imaginer la vraie prestation scénique. Une fois que le malaise est passé, répéter en formation aidera spontanément à développer une vision claire pour le spectacle.
Répéter en cercle crée un faux sentiment de cohésion et de sécurité dans le groupe. On demeure concentré sur son propre jeu et sur les autres membres du groupe. L’énergie circule en vase clos. Ensuite, sur scène, le groupe risque de rester hermétique et distant face au public.
Faire de la scène est un travail d’équipe. Répéter en formation crée une vraie cohésion qui amènera tous les membres du groupe à prendre conscience de leurs rôles respectifs dans le but commun de tisser des liens avec le public.
Donc, toujours en se filmant, pourquoi ne pas travailler aussi sur certaines habiletés non-musicales comme la présentation des chansons et le contact visuel avec le public ? (Oui, ça se fait sans public)
4 - Pour explorer l’espace scénique
Quoi de plus ennuyeux qu’un spectacle où chacun reste à sa place sans bouger ? Visuellement, chaque chanson est une copie de la précédente et ressemble à la suivante. Faites le test. Filmez un enchaînement complet de votre spectacle. Ensuite, coupez le son, placez le curseur n’importe où et regardez la vidéo. Quelle chanson êtes-vous en train de jouer ? Si vous ne pouvez pas le dire, c’est que d’un point de vue visuel, toutes vos pièces se ressemblent. N’oubliez pas, personne ne va ÉCOUTER un spectacle, on va VOIR un spectacle.
Répéter en formation permet d’explorer l’espace scénique. On ne parle pas ici de chorégraphier le spectacle. On parle plutôt de voir comment on peut travailler en équipe pour :
● Se mettre en valeur les uns les autres
● Communiquer efficacement avec le public
● Utiliser les déplacements pour créer une série de moments forts
● Donner une plus grande amplitude dynamique au spectacle
Ces conseils s’appliquent pour tous styles de musique. Je veux surtout dans ce billet provoquer une réflexion sur l’art de concevoir un spectacle et faire prendre conscience du point de vue du public.
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Bon show!
Olivier
Crédit photo : Gaurang Alat